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Mes: noviembre 2017

Crítica: Oro

Partiendo de una novela corta del escritor Arturo Pérez-Reverte, llega a las pantalla esta producción española, irregular en su conjunto pese a contar con una excelsa puesta en escena. El film deja sensaciones encontradas aun siendo innegable el esfuerzo y los medios invertidos, lo que se evidencia desde las primeras imágenes, incluso basta con mirar el cartel y ver el extraordinario elenco para percatarse de ello.

La historia está inspirada en las expediciones que lideraron conquistadores españoles como Pedro de Ursúa o Lope de Aguirre, a quien Werner Herzog ya dedicó la notable ‘Aguirre, la colera de Dios’ (1972). Así, nos lleva hasta el corazón de la selva amazónica, donde un grupo de soldados trata de encontrar ‘El Dorado’ sorteando distintas adversidades.

Ya en sus primeros compases se advierte la impronta tanto del autor de la obra, que ha colaborado en la escritura del guion, como de su director Agustín Díaz Yanes; lo que se traduce en unos diálogos impregnados de matices literarios que casan a la perfección con los protagonistas y la época y con la espléndida factura técnica de la película.

El inicio es prometedor y nos introduce en el relato a través de una ilustrativa descripción, determinante en el devenir de los acontecimientos, de estos codiciosos aventureros, cegados por el afán de conseguir fama y fortuna, cuyas permanentes rencillas parecen condicionadas por sus distintos lugares de procedencia; en lo que es también una discreta ironía que no ha perdido vigencia.

Sin embargo, a medida que se desarrolla su odisea pierde vigor, haciéndose previsible y cediendo terreno a las secuencias violentas. La narración se contagia de la desesperanza que embarga a los expedicionarios y se torna monotemática. Solo el episodio en que encuentran a un veterano compatriota que ha echado raíces en un poblado oxigena ese tono pesimista.

Por otra parte, la fotografía y el vestuario merecen una mención destacada y son esenciales para acercar al espectador a la acción. Igualmente, es fundamental el empaque que confieren a los distintos personajes los indiscutibles intérpretes que conforman el reparto. Si bien tienen más peso actores como Raúl Arévalo, Óscar Jaenada, Bárbara Lennie y José Coronado, no se puede dejar de reconocer las aportaciones de quienes les acompañan: Luis Callejo, Anna Castillo, un destacado José Manuel Cervino, Antonio Dechent, Andrés Gertrudix, Diego París y Juan José Ballesta entre otros, además de Juan Diego en una pequeña pero lucida intervención.

Ficha técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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S02E02: Michael Giacchino – 50 Años de Ilusión Musical

Con motivo de su cincuenta cumpleaños y el concierto homenaje que se celebró en el Royal Albert Hall de Londres repasamos la figura y obra del compositor cinematográfico actual más ilusionante, desde sus primeros videojuegos y series de tv, hasta su Oscar y sus blockbusters, nos estamos refiendo a Michael Giacchino.

Ha conseguido trabajar con quienes eran sus héroes de infancia y a nosotros ilusionarnos en cada composición. Desde que lo oímos por primera vez en la adaptación del videojuego de The Lost World de la mano de Steven Spielberg, la saga de Medal of Honor, pasando por su primer film Los Increíbles hasta recoger el guante de Williams en Jurassic World o la saga de Star Wars y revitalizar Star Trek Michael ha compuesto muy variados trabajos que merecen la pena ser comentados, escuchados y sobre todo disfrutados.

Para este programa contamos con la colaboración de Miguel Casares que estuvo en el evento londinense y nos cuenta de primera mano lo que allí ocurrió. Miguel editar un grandísimo podcast sobre músical de cine Cinemasmusic presentado por Juán Ramón López y su Spinoff La Cara B que además dirige y presenta de manera espectacular que no podemos dejar de recomendar.

Además en este programa comentamos chascarrillos de conciertos bandasonoriles, compositores, el coleccionismo y otras curiosidades de este mundo que tanto nos apasiona.

En Youtube podéis encontrar algunos momentos que concierto que copiamos aquí y que reflejan de la mejor manera el carácter y la obra de este compositor con un gran pasado y un futuro más que brillante del que nos declaramos fans.

Esperamos que disfrutéis escuchando este programa tanto como nosotros lo hemos hecho realizándolo.
Aunque otra vez tenemos que pedir perdón por algún problema con el sonido de la grabación y es que los catarros invernales nos pasan factura.


Otros enlaces:

Página oficial de Michael Giacchino.
Michael Giacchino en la Wikipedia.


Vídeos:

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Crítica: The Square

Desde Suecia llega la película ganadora de último Festival de Cannes; una propuesta original y demasiado ambiciosa, cuya intención de hacer un retrato de la hipocresía social, que va de lo particular a lo general, se pierde muchas veces en un metraje innecesariamente alargado hasta dos horas y veintidós minutos. Su buena factura técnica, un protagonista con gancho y la incertidumbre sobre los acontecimientos que pone en escena permiten mantener cierto interés por su resolución, pero tras la espera, el desenlace es insustancial y frío, debiendo entender que los contenidos con los que quiere espolear la atención al espectador se han escenificado anteriormente.

La acción nos lleva hasta Estocolmo, donde el director creativo de un museo prepara la siguiente exposición, cuya obra central será un pequeño espacio en el suelo en el que simbólicamente todos tendrán los mismos derechos y obligaciones, invitando al altruismo de los visitantes. Tan bienintencionada metáfora artística, contrasta con las reacciones de este personaje después de que le roben el móvil y la cartera a plena luz del día.

El film es una sucesión, en ocasiones dispersa, de situaciones con las que se pretende hacer un retrato mordaz de las sociedades modernas y de como se manipulan sus valores más preciados. Pero en ese marco también incorpora una visión irónica sobre las tendencias vanguardistas en el terreno de las artes plásticas e ironiza con los peligros de las redes sociales. Sin embargo, la manera de representar tales ideas transita desde lo convencional a lo experimental y surrealista, con detalles que descolocan.

Afortunadamente, siempre están presentes unas notas de humor, adecuadamente amalgamadas con las diferentes peripecias que afectan al atribulado ejecutivo y que llegan a extenderse a ámbitos muy personales para enfatizar su cinismo.

Técnicamente no merece reparos y la realización se adorna frívolamente en ocasiones con música minimalista o con recursos visuales singulares, pero sin abusar de ellos.

Por otra parte, un actor nórdico poco conocido, el danés Claes Bang, conduce la historia con una soltura apreciable, confiriendo al papel que asume el punto de carisma exacto para darle una prestancia decisiva en el resultado que vemos en pantalla. Entre quienes le acompañan, destacan las intervenciones de Elisabeth Moss y de Christopher Læssø; mientras que la participación de Dominic West es prácticamente testimonial.

Ruben Östlund, director de la también premiada ‘Fuerza mayor’ (2014), arriesga ahora con este título tan especial, imposible de recomendar abiertamente.

Ficha técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Críticas: Spoor (el Rastro)

De la mano de la realizadora Agnieszka Holland (‘Europa, Europa’) llega este thriller con trasfondo dramático y la loable intención de denunciar la caza indiscriminada de animales. Sin embargo, a base de ser tan reiterativo y contundente en ese propósito y de contagiarse del temperamento de su protagonista, acaba ofreciendo una propuesta demasiado agitada e incomoda.
Agniezka HollandNos lleva hasta las afueras de una pequeña población polaca donde vive una ingeniera de caminos ya jubilada, amante de la naturaleza. Desde tiempo atrás tiene una guerra personal contra los cazadores que se mueven por la zona. Sus rutinas se ven alteradas, primero por la desaparición de sus dos perras y más tarde por la muerte violenta de su vecino a la que seguirán otras más.
Los buenos mimbres que maneja eran susceptibles de haberse aprovechado mejor para ofrecer un relato de mayor solidez; pero se pierden en las formas aplicadas, muchas de ellas, sin duda, originales y rompedoras, como sucede con la singular y hasta machacona utilización de la banda sonora que, por otra parte, también contiene hermosos pasajes melódicos. No en vano, la película fue galardonada en el Festival de Berlín con el premio Alfred Bauer, en reconocimiento a un trabajo que abre nuevas perspectivas en el arte cinematográfico.
A veces, parece dispersarse o entretenerse en exceso en secuencias que se apartan la intriga para irse por unos derroteros que aportan poco o nada a la trama, en ocasiones con intención de incorporar notas de humor que no siempre resultan eficaces.
La resolución da un paso más en esa dirección. Sin poner en entredicho el objetivo, para culminar esta especie de alegato refuerza el mensaje llevando la historia a los terrenos de la hipérbole y dejando elementos para el debate al finalizar la proyección.
Técnicamente, la fotografía se luce y se vale la estructura del film, dividido en los capítulos que marca un calendario de vedas, para hacer brillar los bellos y fríos paisajes donde se desarrolla.
La actriz Agnieszka Mandat-Grabka asume un papel muy exigente y aunque, atendiendo al guion, parece pasada de vueltas en momentos puntuales, hay que reconocer su comprometida interpretación.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova
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Críticas: Feliz día de tu muerte

Cualquier espectador tendrá la sensación de estar ante una especie de remake de ‘Atrapado en el tiempo’ (1993) a los pocos minutos del visionado de esta película, incluso hay una referencia explícita, con un toque de ironía, en los minutos finales. A ello se añade un elemento terrorífico que sirve como leitmotiv a la historia, pero tampoco en este apartado se muestra deslumbrante porque se aprecia la marcada influencia de otros títulos del género como ‘Viernes 13’ (1980) o ‘Scream’ (1996).

El resultado, pues, es un film poco original en conjunto, pero que aun siendo repetitivo y previsible consigue desarrollarse con una apreciable agilidad. Es este el mérito más destacado de un estreno que parece tener como destinatario principal al público juvenil.

El mismo día de su cumpleaños una estudiante universitaria sufre el ataque mortal de alguien que oculta su rostro bajo una máscara, pero entonces se despierta sobresaltada, creyendo que ha sido fruto de una horrible pesadilla. Sin embargo, tras dejar la residencia donde ha pasado la noche observa que se repiten, de principio a fin, las mismas situaciones que creía haber soñado. Pronto se dará cuenta de que está inmersa en un bucle temporal, lo que aprovechará para intentar neutralizar a su asesino.

El guion va reiterando los mismos hechos con variaciones que inicialmente no son demasiado sustanciales e intenta dinamizar el relato incorporando ligeras notas de humor, que no siempre funcionan, algunas incluso resultan grotescas.

Por fortuna, conforme avanza, introduce otras modificaciones que centran mejor la intriga, aunque las dosis de incertidumbre son limitadas e intenta minimizar esa rémora con escenas muy inquietantes. No obstante, buscando un desenlace que sorprenda, termina por escoger la peor solución, echando por tierra las expectativas generadas y rozando la tomadura de pelo.

En el reparto encontramos jóvenes promesas con futuro incierto, destacando especialmente Jessica Rothe, quien tras su paso por varias cintas olvidables, demuestra aptitudes para ir asentándose en producciones de mayor enjundia.

Ficha técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Crítica: A Ghost Story

Tanto el título como el cartel de este estreno invitan a pensar, sin dudarlo, que se trata de otra película de terror sobre amenazadores espectros que atormentan a los vivos. Sin embargo, tal idea está bastante alejada de lo que realmente depara. Estamos ante un film, cuanto menos curioso, minimalista poético y tan misterioso e hipnótico como, en ocasiones, exasperante y aparentemente pretencioso.

Inicialmente nos presenta a una joven pareja muy enamorada, pese a que también soporta pequeñas desavenencias. Su día a día salta por los aires cuando él fallece en un accidente de tráfico. Poco después, el alma del difunto, con la forma de un fantasma, regresa a la casa para observar a su amada.

La narración opta desde el principio por un tono intimista, sin apenas diálogos y un ritmo sosegado, aspectos que enfatiza al tomar el punto de vista del silencioso espíritu que retorna al hogar. Es entonces cuando ese carácter contemplativo, con contrapuntos emotivos, impregna cada secuencia, aunque alguna se alargue innecesariamente.

Afortunadamente los parones están muy localizados y paulatinamente se va imponiendo una atmósfera tan serena como envolvente que consigue acercarnos a las inquietudes y a la contenida desolación del protagonista.

Desde esta perspectiva, el relato propone un marco que oscila entre lo paranormal y lo onírico para lanzar una reflexión sobre nuestra trascendencia. Ello, intencionadamente, se contrasta con el discurso de un personaje cuya verborrea y gestualidad afea el valor de lo que está diciendo sobre el carácter perecedero de todo cuanto existe, provocando al espectador e invitándole a posicionarse.

Salvo en las primeras escenas, poco se puede apreciar el trabajo actoral de los intérpretes principales: Rooney Mara y Casey Affleck, quien pasa la mayor parte del tiempo bajo una sabana. En cualquier caso, cuando comparten la pantalla consiguen trasladarnos la fuerza de los lazos afectivos que les unen. Por otro lado, se deja sentir la melódica y eficaz composición musical de David Lowery, cuya continua presencia llega incluso a resultar excesiva.

Desde luego, su visionado no se puede recomendar abiertamente ya que esta producción, de carácter “indie”, tiene mucho de atrevida y experimental, pero, en cualquier caso, no deben equivocarse los aficionados a las imágenes espeluznantes y a los escalofríos porque aquí no los van a encontrar.

Ficha técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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