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Mes: diciembre 2017

Crítica: El Libro Secreto de Henry

La amplitud de miras y las buenas intenciones de esta película son tantas que provocan su propia zozobra, llevándole a caer en los terrenos del drama sensiblero artificioso e inverosímil, al punto de provocar risas donde pretende lo contrario. De manera sincrética se podría resumir lo que depara con la siguiente fórmula: ‘Cadena de favores’ + ‘La ventana indiscreta’ = ‘El libro secreto de Henry’; solo que en lugar de un cóctel inspirado resulta un revoltijo difícil de digerir. No obstante, su agilidad narrativa y unas dignas interpretaciones evitan peores sensaciones.

Susan Carpenter trabaja como camarera en una cafetería para sacar adelante a sus dos hijos; el mayor, de 12 años, es superdotado y tiene unos conocimientos y una creatividad desbordantes. Cuando, casualmente, el chico descubre la triste realidad que padece su joven vecina y compañera de clase, decide urdir el plan perfecto para liberarla, pero un contratiempo amenaza con echarlo todo al traste.

La historia arranca prácticamente como una comedia infantil, dinámica y desenfadada, para, a continuación, introducir notas propias de un thriller truculento que queda bruscamente interrumpido por contundentes circunstancias dramáticas. A partir de ahí el relato comienza a tambalearse y aún más cuando retoma la intriga que había empezado de forma prometedora, derivándola hacia una puesta en escena casi circense.

La parte supuestamente vibrante, previa al desenlace, es la peor hilvanada, desarrollándose con precipitación y aplicando sin rubor resortes lacrimógenos que chirrían en exceso. Desperdicia así los toques de misterio y suspense que había adelantado, malogrando cualquier expectativa de mejora.

Al final da la impresión de haber asistido al visionado de un telefilme vespertino, con unos personajes esquemáticos, atrapados en una trama tan angustiosa como dispersa y olvidable.

Se percibe el esfuerzo en vano de Naomi Watts, intentando dotar de intensidad un trabajo coartado por el guion. Jeaden Lieberher, protagonista de ‘It’ (2017), cumple con el perfil de niño prodigio y redicho, a pesar de que, en ocasiones, queda a la sombra del pequeño actor canadiense Jacob Tremblay, una promesa en firme de Hollywood como se pudo apreciar en ‘La habitación’ (2015) y ahora mismo también en ‘Wonder’, donde esconde su verdadero rostro tras el maquillaje.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova.

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Star Wars: Los Últimos Jedi

Podría pensarse que si ‘Star Wars: El despertar de la Fuerza’ (2015) era un trasunto remozado del film de 1977, este episodio seguiría la senda apuntada y depararía una reinterpretación de ‘El imperio contraataca’ (1980). Sin embargo, constituye una grata sorpresa apreciar que no es exactamente así, aunque son numerosos los guiños hacia el que está considerado el mejor título de la saga.

Más allá de ello, logra componer impecablemente la transición entre el universo de referencia creado por sus tres predecesores, cerrándolo prácticamente con los honores que merece, y unos dignos sucesores, avanzando en los argumentos cuya resolución deberá completarse en 2019, en lo que, visto lo visto, supone un reto de altura.

La historia se retoma justo en el punto en que terminaba la anterior y desde el inicio va simultaneando el seguimiento de los diferentes protagonistas. Por un lado, explota en profundidad la relación entre el veterano maestro Jedi y su discípula, imbuida de una palpable tensión dramática, e incorpora un recurso narrativo sorprendente que abre incógnitas y eleva la atención por el devenir de la joven Rey.

Por otra parte, cuando pone la mirada en sus amigos y en los últimos guardianes de la Resistencia, la película entronca con sus orígenes y se explaya en secuencias de acción vibrante, llevando a estos héroes a situaciones extremadamente delicadas. Tal vez, en esta parcela, se podría haber recortado algo de metraje para evitar sus 150 minutos de duración, dos horas y media matizadas, no obstante, por una parte final absolutamente cautivadora.

Entre las novedades destacadas, junto a giros en la intriga de todo punto inesperados y las continuas pinceladas cómicas, hay que señalar la subtrama que nos transporta a una especie de Las Vegas galactica. Pese a que su introducción en el relato se antoja cogida por los pelos, el resultado que depara en la pantalla lo compensa sobradamente, además de servir para incorporar a un personaje que da mucho juego.

El tercio final es sin duda arrebatador, fusionando viejas referencias y escenarios conocidos con momentos trepidantes, sin descuidar el fondo que sustenta al conjunto, que incluso entre tanta agitación sale plenamente reforzado.

La música de John Williams actúa como otro apreciable elemento vertebrador en ese relevo generacional definitivo, recuperando leitmotivs clásicos, con diferentes variaciones, cuya audición por sí sola es suficientemente ilustrativa, y deleitándonos, a la vez, con otros motivos de nuevo cuño, algunos no tan retentivos pero eficaces en su cometido.

A los actores principales se les ve asentados completamente en sus respectivos papeles, dando una prestancia, si cabe, superior a la primera vez que los asumieron y haciendo valer las razones de sus ascendentes carreras: Daisy Ridley (‘Asesinato en el Orient Express’), Oscar Isaac (‘La promesa’, ‘Suburbicon’), John Boyega (‘Detroit’) y Adam Driver (‘Paterson’, ‘El secreto de los Logan’), conforman ya un reparto de plenas garantías.

Les arropan veteranos como un notable Mark Hamill, que invita a preguntarnos por qué su carrera no ha sido más fructífera y la desaparecida Carrie Fisher, justamente homenajeada antes de los créditos; ambos consiguen tocar la fibra sensible de los nostálgicos. De entre las incorporaciones al elenco, se hace valer el camaleónico Benicio del Toro, un acierto del casting, a quien se suma una correcta Laura Dern, en un rol de perfil bajo.

El cambio de director, de J.J. Abrams a Rian Johnson, si se nota en algo es para bien porque ha logrado cumplir con las elevadas expectativas de los incondicionales de ‘La guerra de las galaxias’.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova.

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S0203: Especial Navidad – Nieve, sangre y mucho amor.

Nuestra felicitación navideña llega con una selección de los mejores películas para disfrutar con turrón y copita. Un bazar de entrañables títulos que nuestro equipo comentará de nuevo con la presencia de Paco Dolz y Miguel Casares. Además contamos con pequeñas joyas musicales seleccionadas.

Conjuntamente, el podcast de La Cara B publica un playlist musical navideño complemento perfecto de los visionados y para poner de fondo estas fiestas con una fina selección de bandas sonoras.

Elfos, psicópatas, gremlins…todo muy familar y navideño, escúchanos, toma nota y en la cena de nochebuena ganarás a tu cuñado que siempre quiere ver a Esteso y Pajares

Las películas comentadas son las siguientes:

  • La Jungla de Cristal 1 y 2
  • Gremlins
  • Feliz Navidad, Mister Scrooge
  • Entre Pillos anda el Juego
  • Eyes Wide Shut
  • En Nochebuena… ¡Se armço el Belén!
  • Noche de Paz, Noche de Muerte
  • Rare Exports (Un Cuento Gamberro de Navidad)
  • Frosty The Snowman
  • Joyeux Nöel
  • Harry Potter y el Prisionero de Azkaban
  • Elf
  • Solo en Casa 1 y 2
  • Polar Express
  • Que Bello es Vivir
  • Love Actually
  • Un Mundo de Fantasía (Willy Wonka and the Chocolat Factory)

Una vez más hemos conseguidor realizar nuestro mejor programa hasta la fecha.
Una feliz y cinéfila navidad de parte del equipo de TDC podcast, nos vemos el año que viene.


El Playlist Musical Navideña:

Ideal para ambientar las fiestas desde La Cara B.


Referencias y agradecimientos:

David Esteban que tiene dos interesantes cuentas en twitter: @MadAmerican@YentelmanBlog y un fantástico blog: Yentelman.

Miguel Casares (@casaresiba) es editor y productor de un gran podcast sobre música de cine Cinemasmusic con extensos programas especiales donde además tiene una sección sobre coleccionismo filmográfico y además presenta y realiza su spinoff La Cara B. Os recomendamos de todo corazón escucharlos.

Paco Dolz mantiene desde hace muchos años la mejor página en castellano sobre musicales que existe: Love4Musicals, además de un gran amigo, es un gran conocedor de cine y de su música.

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Crítica: El Viaje

Desde Reino Unido llega esta notable producción que, aun siendo la recreación aproximada de un hecho histórico reciente, consigue escenificar una trama política absorbente de principio a fin. Ello tiene más mérito si se toma en cuenta que lo hace pivotando fundamentalmente sobre dos personajes y basándose en sus largas conversaciones. Sin embargo, al contrario de lo que podría pensarse, rompe con la estructura narrativa puramente teatral mediante distintos recursos que oportunamente le confieren un apreciable dinamismo, aunque en algún momento se revelen un tanto forzados para alcanzar ese propósito.

La acción nos sitúa inicialmente en Saint Andrews (Escocia) en octubre de 2006. Allí se reúnen representantes de los unionistas protestantes y de los nacionalistas católicos de Irlanda del Norte para intentar alcanzar un acuerdo de paz, algo que parece imposible. Un imprevisto obligará a los líderes irreconciliables de ambos partidos a viajar en el mismo vehículo hasta el aeropuerto de Edimburgo, con la única compañía del chófer.

A poco que se tenga interés por el pacto que frenó un conflicto con miles de muertos a lo largo de varias décadas, el film nos pone en situación desde el inicio, captando la atención al presentar a los protagonistas con una rotunda personalidad y colocarlos en posiciones completamente antagónicas.

Más allá de esos instantes iniciales, debidamente documentados, donde Tony Blair intentaba ejercer de mediador, el guion acierta a componer una ficción que no debió ser muy diferente a lo ocurrido realmente en ese largo trayecto. Incluso, aprovecha los caracteres de tan singulares compañeros de viaje y las intervenciones puntuales del conductor para incorporar pinceladas de ironía y sarcasmo que le van bien al desarrollo de la película.

Así, sin renunciar a la sucesión de mutuos reproches por los horrores soportados por el pueblo norirlandés y partiendo de las ideas radicales de estos rivales eternos, logra hacer verosímil, de forma convincente, lo que parecía impensable: el acercamiento y la asunción de posturas racionales, a pesar de llevar su cara a cara a puntos de máxima y decisiva tensión.

Colm Meaney, como Martin MacGuiness, cabecilla del Sinn Féin y Timothy Spall, en el la piel de Ian Paisley, fundador del Partido Unionista Democrático, desarrollan un encomiable tour de force, pese a que en determinadas secuencias flirteen con lo caricaturesco. A ello se unen la solvencia de Freddie Highmore, en un agradecido rol secundario y la experiencia y el oficio del desaparecido John Hurt, en una de sus últimas interpretaciones.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova.

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Crítica: Fe de Etarras

Borja Cobeaga, director de las desternillantes ‘Pagafantas’ (2009) y ‘No controles’ (2010), vuelve a moverse por los terrenos que domina, con la colaboración de Diego San José como coautor de la historia, repitiendo el tándem de coguionistas que firmó ‘Ocho apellidos vascos’ (2014). Este estreno, sin llegar a la altura de los mencionados, cumple con el propósito de hacer pasar un rato divertido.

La nueva propuesta del realizador donostiarra alterna un humor eficaz, propio de una comedia de situación como es esta, con la caricatura de tópicos y costumbres que extiende a los temas delicados que apunta su título. Así, aborda sin prejuicios y con sarcasmo, referencias históricas vinculadas al terrorismo etarra, construyendo, en este ámbito unos gags inteligentes y acercándose al tono que ya mostró en ‘Negociador’ (2014).

La acción nos sitúa en una ciudad de provincias durante el verano de 2010, en pleno Mundial de Sudáfrica. Allí aguarda instrucciones un comando de ETA liderado por un veterano de la banda, de origen riojano, que tiene a su mando a dos jóvenes, cuyo futuro como pareja depende de lo que suceda con la organización, y a un chico de Chinchilla que se siente tan vasco como el que más. Mientras esperan órdenes, se producirán situaciones verdaderamente pintorescas.

Si bien la continuidad a la hora de enlazar chistes tiene algún pequeño altibajo, su metraje, de 87 minutos, no se resiente de ello en ningún momento y explota a la perfección el choque de culturas. Además, tiene la habilidad para provocar la risa a partir de satirizar, e incluso ridiculizar con ingenio, aspectos que van desde el nacionalismo o la llamada lucha armada, hasta la exaltación de la gastronomía local y las euforias futbolísticas.

Solo la resolución de la intriga peca un tanto de seca y cortante, pese a quedar matizada por su epílogo.

La selección del reparto no admite reparo alguno. Javier Cámara encabeza un elenco solvente al que poco le queda por demostrar en este ámbito. Él mismo asume un papel exigente que resuelve de forma notable. A su lado despunta la arrolladora vis cómica que exhibe Julián López. Completan el casting dos habituales del género, como Gorka Otxoa y Miren Ibarguren, y secundarios que ponen gotas de veteranía: Ramón Barea y Tina Sainz, a quienes se suma, en pequeñas pero tronchantes intervenciones, Luis Bermejo, encarnando a un forofo de la selección española.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova.

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Crítica: El Sentido de un Final

La adaptación del libro homónimo de Julian Barnes nos deja un correcto drama intimista, recorrido por la nostalgia hacia los sentimientos y traumas que dejan huella para siempre. Se echa en falta, sin embargo, que ese tono contenido impida una eclosión más rotunda de los argumentos que maneja, bien trenzados pero todavía más aprovechables en la gran pantalla. Ritesh Batra, realizador de la premiada y notabilísima ‘The Lunchbox’ (2013), ha optado por mantener una línea narrativa similar, aunque en aquella funcionaba sensiblemente mejor.

Nos presenta a un hombre solitario, divorciado y a punto de ser abuelo, dedicado a sus quehaceres rutinarios. Un día recibe la noticia de que la madre de quien fue su primer amor, le ha dejado en herencia el diario de un compañero de estudios universitarios que se quedó con su novia. La posibilidad de que pueda esconder la clave de los sucesos que le marcaron entonces, le llevará a revivir y a enfrentarse a las decisiones que tomó 40 años atrás.

La película navega bien entre las indagaciones del protagonista, en búsqueda de una ansiada expiación y los recuerdos de su juventud; estos últimos salpicados de acontecimientos que van elevando el interés por el devenir de la trama y por saber lo que se esconde detrás de ciertos hechos de tintes trágicos. Por otra parte, para dotar de alicientes su situación actual, dibuja convenientemente el entorno de este personaje, introduciendo la relación con su exmujer, a quien le confiesa secretos que nunca le había contado y con su hija embarazada, dando entidad a estos secundarios y dejando para la parte final un esperado reencuentro.

Es en el último tramo del film donde a medida que vamos conociendo más detalles de ese pasado, nunca enterrado y de como reaparece para converger con el presente, cuando, por fin, se perciben las emociones con el alcance debido para cerrar un círculo y poner el broche satisfactorio a que se refiere el título.

Aunque técnicamente no aprovecha los escenarios londinenses ni su mirada retrospectiva hacia los 60 para lucirse visualmente, compensa estos apartados con el equipo artístico, destacando los tres nombres que encabezan el reparto: un magnífico Jim Broadent, espléndido a la hora de dar profundidad a los maduros perfiles que asume; Charlotte Rampling, dominadora absoluta de los papeles melodramáticos, como vuelve a demostrar aquí, y la también veterana Harriet Walter. A ellos se suman las pequeñas intervenciones de unos muy correctos Emily Mortimer y Matthew Goode. Menos convincentes resultan los jóvenes Billy Howle y Freya Mayor a quienes les gana la partida el prometedor Joe Alwyn (‘Billy Lynn’), pese a que su participación sea más limitada.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova.

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