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Etiqueta: animación

Crítica | Isla de Perros

Lo primero que hay que advertir es que no estamos ante una película infantil, aunque sea de animación y el título y su cartel inviten a pensar lo contrario, e incluso pese a no encontrar en ella contenidos inapropiados, ni salidas de tono.

Igual de importante resulta saber que su director es Wes Anderson y conocer su peculiar manera de hacer cine. En este caso, el realizador de ‘El gran hotel Budapest’ y ‘Viaje a Darjeeling’, entre otras, vuelve a apostar por un género que ya trató con hechuras similares en ‘Fantástico Sr. Fox’ (2009). Por lo tanto, si se disfrutaron estos títulos en su día, esta será, sin duda, una acertada elección. Si no es así, al espectador le costará entrar plenamente en la propuesta del cineasta tejano, nuevamente recorrida por la ironía y la mordacidad, introducidas tan sutil y sobriamente que el conjunto peca de cierta sequedad.

La acción se sitúa en Japón, donde el alcalde de Megasaki ha decidido desterrar a los perros a una isla que sirve de vertedero, al estimar que son los causantes del brote de gripe canina que está propagándose por toda la ciudad. El joven sobrino del regidor se presentará allí con el objetivo de recuperar a su mascota, lo que se convertirá en el inicio de una rebelión.

Es innegable el extraordinario trabajo desarrollado por los diferentes departamentos técnicos del film para conseguir, con la laboriosa técnica de captura del movimiento (stop motion), sus llamativas imágenes, a las cuales se debe estar muy atento si se quiere reparar en la cantidad de detalles que contienen. Este pasa por ser el apartado más virtuoso de la producción, en la que han participado alrededor de 700 especialistas durante cuatro años.

No obstante, lo anterior no impide señalar que, si bien la narración transcurre sin atascarse, carece de la energía suficiente para implicar al público en su mensaje y moraleja, que quedan algo deslucidos, desaprovechando parte del potencial de los personajes caninos.

En cuanto a la banda sonora, obra de Alexandre Desplat (‘La forma del agua’), procede destacar lo meritorio de su labor, al componer una partitura completamente dominada por la percusión nipona en la instrumentación, que tiene espacio para el lucimiento al principio y al final de la cinta. Sin embargo, en ocasiones se abusa de su utilización hasta tornarse innecesariamente machacona.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Crítica | Loving Vicent

Los méritos artísticos de esta producción y el enorme y esmerado trabajo que lleva detrás compensan sobradamente cualquier reparo que se pueda oponer a tan notabilísima película de animación, toda una gratificante experiencia. Puede que la intriga no esté a la brillante altura de las imágenes que nos ofrece, pero aun así capta la atención desde el principio y prácticamente en clave de thriller nos acerca un detallado perfil íntimo de quien está considerado como uno de los grandes maestros de la historia de la pintura.

La acción comienza en la ciudad francesa de Arles, durante el verano de 1891, donde un joven recibe el encargo de su padre de entregar la última carta que escribió Vincent Van Gogh a su hermano Theo que reside en París. Así comienza un viaje en el que el protagonista irá descubriendo los entresijos de la vida del pintor, al tiempo que intentará averiguar la verdad sobre las extrañas circunstancias que causaron su muerte.

Desde el inicio, cada secuencia se empapa del estilo de sus obras, provocando la continua sensación de estar viendo cuadros animados. De hecho, más de 100 artistas han realizado 65.000 lienzos siguiendo sus patrones pictóricos, lo que unido a las técnicas digitales de captura de movimiento arroja unas coloridas y vistosas secuencias que hechizan a cualquier amante del arte.

Esta propuesta visual, lejos de distanciarnos, proyecta una innegable calidez que arropa las indagaciones del improvisado investigador, puntualmente interrumpidas con unos interesantes flashbacks, ilustrativos del drama y la desazón que soportaba el genio del pincel, nunca reconocido en su tiempo.

Por otra parte, el guion, sin ser redondo, consigue caracterizar suficientemente bien a los distintos personajes que van incorporándose a la trama, mostrando su sensibilidad y la vinculación con la desaparecida figura, querida por quienes le conocieron de cerca.

Desde luego, resulta recomendable acercarse a este estreno tan original como gratificante a poco que se admire a este referente indiscutible del impresionismo.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Crítica: Se Armó el Belén

Esta cinta viene a corroborar que Sony Pictures Animation sigue estando lejísimos de competidoras como Disney Pixar y Blue Sky. Títulos olvidables como ‘Colegas en el bosque’, ‘Lluvia de albóndigas’, ‘Los pitufos’ y ‘Emoji: la película’ han marcado la pauta de su mediocridad, acentuada por la comparación con otras producciones del género. En esta ocasión la historia se queda en bienintencionada y oportuna si nos atenemos a la fecha del estreno. Más allá de eso y de su aceptable factura técnica, estamos ante una versión pueril y desangelada de la Natividad.

El film toma la perspectiva de Bo, un joven asno que consigue escaparse del molino al que está atado y acaba siendo acogido por la Virgen María, justo cuando ella y José están a punto de partir hacia Belén para empadronarse. Aunque en principio no les acompaña, al enterarse de que el sicario de Herodes la está buscando para matarla, emprenderá una carrera contrarreloj con el fin de salvarla, misión en la que colaborarán otros animales.

De inicio, se extiende demasiado en la introducción, dejando entrever ya las limitaciones de que adolece. Tanto el protagonista como sus compañeros de viaje resultan más superficiales de lo que hoy es habitual en este tipo de propuestas, basta con fijarse en la pizpireta oveja que se une a la aventura. Además, el humor está dirigido exclusivamente a niños pequeños, sin concesión alguna hacia los adultos, e incluso altera a voluntad referencias incuestionables de los hechos históricos en torno a los que gira el guion.

Solo los detalles que proporciona un esmerado diseño gráfico, apreciables sobre todo en el pelaje que lucen los personajes, merecen el reconocimiento que no es posible extender a otros apartados. Ni siquiera las canciones, una de ellas, ‘The Star’, a cargo de Maríah Carey (nominada al Globo de Oro), terminan de tener gancho, moviéndose entre melodías poco pegadizas.

El metraje no alcanza los 90 minutos y eso, cuanto menos, permite conferir una agilidad al relato (en ocasiones precipitación) que disuade cualquier amago de caer en el tedio.

Con la oferta familiar que estos días llena la cartelera, esta película se puede tomar como una última alternativa tras el visionado del resto y pensando básicamente en el público infantil.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova.

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Crítica: Coco

El estreno estrella de Disney-Pixar, habitual en la proximidad a las fiestas navideñas, responde plenamente a las expectativas que había generado entre el público infantil. Aunque emparenta directamente con ‘El libro de la vida’, que Guillermo del Toro produjo en 2014 y esto le resta méritos en cuanto a originalidad se refiere, la puesta en escena y el calado de sus mensajes lo compensan sobradamente.

Miguel es un niño con vocación de mariachi, pese a que sus padres y especialmente su abuela se niegan a que se acerque a un instrumento musical. Durante la popular fiesta del Día de los Muertos viajará hasta el inframundo donde conocerá a sus antepasados, pero sobre todo tratará de encontrar a Ernesto de la Cruz, una antigua estrella de la canción que idolatra y a quien sueña con emular algún día.

Desde el principio la película aprovecha perfectamente la cara colorida del folclore mexicano para hacer brillar las imágenes, ya sea en el pueblo donde arranca la acción o al dibujar el populoso universo de los difuntos. A este marco se suma el magnífico repertorio musical que acompaña el desarrollo de la historia, tanto en lo que se refiere a las canciones, incluyendo temas tradicionales, como el resto de la banda sonora, compuesta por Michael Giacchino.

Tales excelencias técnicas, apreciables hasta en los pequeños detalles, sirven incluso para cubrir los escasos baches de una aventura que se mantiene casi siempre en un tono álgido, salpicada de gags y notas cómicas que funcionan. En este apartado se incluyen unas simpáticas caricaturas de Frida Kahlo y Jorge Negrete, amén de guiños a otros personajes conocidos. Por supuesto, como era de esperar, la parte final resulta tan brillante como emotiva y complaciente.

En el fondo, son muy apreciables las lecturas que deja acerca de la importancia y la fuerza de los lazos familiares, además de remarcar que quienes ya no están aquí se mantienen vivos en la memoria de los que les recuerdan. A ello incorpora una visión desmitificada y, paradójicamente, vitalista del más allá.

Este entretenimiento familiar, absolutamente recomendable, constituye también un homenaje a México y a su cultura por parte de la popular factoría de animación.

Ficha técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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