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Crítica: Une Vie

La adaptación de la novela de Guy de Maupassant, ‘Une vie’ (título original también del film), se resume en la crónica dolorosa de una vida infeliz, cuya narración cinematográfica parece contagiarse de la propia tristeza de la protagonista, avanzando sin energía, en un tono contemplativo que va creciendo hasta adquirir una languidez excesiva.

Pese a que su propuesta técnica es original tratándose de un relato de época, dado que recurre a una realización de formas muy actuales que le confiere un apreciable tono realista, la melancolía acaba por dominar cada secuencia.

La historia se remonta a la juventud de una dama del siglo XIX que, tras salir del convento donde ha sido instruida, vuelve a la mansión de sus padres. Pronto contrae matrimonio con un hombre de buena posición, cuyas ocultas debilidades la sumirán en una situación desdichada, pero sus desgracias no quedarán ahí.

El guion recurre con diligencia a la elipsis y en ocasiones se basta de pocos detalles para resultar elocuente a la hora de ilustrar lo que quiere contar, sin enfatizar las situaciones y dejando constancia de su dramatismo con sutiles pinceladas visuales. No obstante, este elogiable mérito choca con la incorporación de algunas transiciones que se eternizan, recreándose demasiado en las miradas silenciosas de esta mujer que se va descomponiendo emocionalmente, intentando que sintamos su sufrimiento de cerca, aunque la reiteración en ese punto termina por provocar un cierto distanciamiento y hastío; prácticamente lo mismo se puede decir de sus intermitentes flashbacks.

La dirección recurre a la iluminación natural y evita realzar la pomposidad de los escenarios, aprovechando las localizaciones naturales para obtener imágenes esplendorosas y envolviendo de un halo de verosimilitud este duro retrato intimista, al que, sin embargo, le falta viveza.

Judith Chemla realiza una notable interpretación encarnando a un arquetipo femenino de aquellos tiempos, como esposa y madre sacrificada que soporta con resignación los golpes sentimentales y las imposiciones sociales. A su lado destacan las aportaciones de dos veteranos actores franceses: Jean-Pierre Darrousin y Yolande Moreau.

Ficha técnica en IMDB

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Críticas: Geostorm

Sabiendo que esta es una película de catástrofes y que su director, Dean Devlin, ha sido guionista y productor de ‘Stargate’, ‘Independence Day’ y ‘Godzilla’, poco más cabría añadir para intuir con certeza lo que nos podemos encontrar. Efectivamente, estamos ante la típica “americanada” que, en este caso, para justificar el desparrame de efectos visuales, echa mano de una intriga de políticos corruptos y de algunas notas de drama familiar.

Gerard ButlerEn un futuro cercano, numerosas naciones de la Tierra han unido esfuerzos para poner en funcionamiento una red de satélites que protege al planeta de grandes desastres naturales; sin embargo, de forma inesperada, comienzan a producirse fallos con consecuencias devastadoras. Ello obliga al ingeniero que creó ese sistema, apartado del proyecto años atrás, a volver a la estación espacial, donde pronto encontrará indicios de un sabotaje que podría empeorar las cosas.

En honor a la verdad, el film funciona con corrección cuando se dedica a ir dando forma a la trama. En esa vertiente de thriller, sostenida por la particular relación entre dos hermanos, mucho tiempo distanciados, la historia reparte la atención entre las pesquisas que lleva a cabo un analista vinculado a la Casa Blanca y los pasos que da el diseñador del complejo dispositivo para averiguar quien está alterando su funcionamiento intencionadamente. Ambos hilos conductores se desarrollan con agilidad y van generando un interés creciente.

No obstante, progresivamente, como era previsible, los fenómenos meteorológicos se desatan con una intensidad extrema en las principales ciudades del mundo y conforme éstos se van multiplicando, el relato pierde fuerza. Así, entra a una velocidad de vértigo en el terreno de lo confuso y lo inverosímil. Hay muchas cosas que están mal explicadas o simplemente es imposible que tengan una justificación mínimamente asumible.

Los personajes pasan prácticamente a ser unos títeres al servicio de los abrumadores recursos infográficos, para rematar con tal pirueta final que provoca vergüenza ajena. Es una lástima que la advertencia inicial, que no debería caer en saco roto, no vuelva a aparecer con la misma significación.

Gerard Butler y Jim Sturgess conducen la cinta sin esfuerzo, mientras que Ed Harris y un estirado Andy García parecen reinterpretar papeles en los que les hemos visto otras veces. Por otro lado, Abbie Cornish cumple cuando toma las riendas en una acelerada secuencia de acción.

Ficha ténica en IMDB

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Críticas: Blade Runner 2049

Las enormes expectativas que ha ido generando este proyecto, desde que empezó a fraguarse la idea de rodar la secuela de un clásico indiscutible de la ciencia ficción, quedan sensiblemente por debajo de lo que finalmente ofrece. No es una mala propuesta dentro del género, sin embargo, el hecho de ser tan deudora de su predecesora conlleva una comparación de la que sale perdiendo por donde se mire.

En lo concerniente a su contenido, aportar una reflexión sobre la soledad en un futuro deshumanizado pasa por ser el valor más preciado de la película. Y ello aun cuando el protagonista se presenta como un tipo en apariencia demasiado frío, condicionado por su singular naturaleza. En cualquier caso, esto le resta vigor a la hora de acercarnos sus tribulaciones.

El argumento da continuidad al thriller que ya conocemos, situándose tres décadas después. Los tiempos han cambiado y los replicantes se han integrado en la sociedad, aunque todavía quedan unidades antiguas que constituyen una amenaza y deben ser retiradas. Un nuevo Blade Runner tiene asignada esa misión pero sus pesquisas le llevarán a destapar un secreto sobrecogedor.

Con independencia de las reflexiones que pretende trasladarnos, la intriga parece atascarse en varios momentos y evidencia un innecesario exceso de metraje, sin llegar a caer completamente en el tedio. Y ello gracias al control de los resortes que reactivan el interés por la resolución de la trama, introducidos en los precisos instantes en que empieza a perder energía.

Entre esos golpes de efecto, el más eficaz, después de una larga espera, es la recuperación de Rick Deckard. A partir de su aparición el film gana enteros de manera notable y la narración cobra súbitamente una agradecida agilidad.

El otro apartado que funciona por su originalidad y por la inspirada visión de lo que puede ser una realidad no muy lejana, corresponde a la particular historia romántica, escenificada con mucho tacto para sensibilizar al espectador. Complementa así el nudo central del relato, provocando casi el mismo interés por esta parcela que por la investigación del inspector.

Su desenlace esconde alguna sorpresa y no es tan brillante como cabía imaginar, dejando cabos sueltos que se prestan a futuras continuaciones.

En los aspectos técnicos, pese a haber pasado 35 años desde el estreno de su antecesora, no alcanza a crear los envolventes ambientes de aquella, con calles concurridas e iluminadas por el neón que destilaban cierta magia entre penumbras. Aquí esa oscuridad queda limitada en sus alicientes y los escenarios aparecen imbuidos de una gélida sobriedad y un patente minimalismo, acorde con una visión pesimista de lo que está por venir.

Algo parecido cabe apuntar de la banda sonora, compuesta por Benjamin Wallfisch y el reputado Hans Zimmer, en líneas generales impersonal y muy incidental. Tal vez el hecho de que se sustituyera al compositor que inicialmente empezó a trabajar en la partitura, Johann Jóhannsson, ha dejado poco tiempo para elaborar una música perdurable y solo se hace perceptible al homenajear a las retentivas notas de Vangelis.

Ryan Gosling (‘La La Land’) se muestra un punto inexpresivo y mantiene prácticamente el mismo registro desde el principio hasta el final, seguramente para dejar entrever el lado artificial de su personaje. De ahí que quede ensombrecido cuando comparte la pantalla por Harrison Ford, quien vuelve a ser lo mejor del elenco en un feliz reencuentro con un papel que lo consagró definitivamente.

De quienes se mueven a su alrededor, merece destacarse la participación de Ana de Armas, aportando un contrapunto preciso de calidez y ternura. Por su parte, Jared Leto asume un rol imbuido de un halo tan enigmático como endeble, resultando poco convincente. Algo parecido sucede con Robin Wright en sus pequeñas intervenciones; mientras que Sylvia Hoeks, como una especie de trasunto de lo que fue Sean Young, se antoja desaprovechada. Para los nostálgicos, se esconden también algunos cameos inesperados.

El prestigioso realizador canadiense Denis Villeneuve, que tiene en su haber títulos como ‘Incendies’, ‘Prisioneros’, ‘Sicario’ y ‘La llegada’ dirige, bajo la supervisión de Ridley Scott, esta producción que, sin defraudar, tampoco será recordada como una obra maestra.

Ficha técnica en IMDB

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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