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Etiqueta: paris

Crítica | Mi Familia del Norte

Diez años después del estreno, ‘Bienvenidos al Norte’ (2008) sigue siendo una referencia de la buena comedia francesa. El artífice de aquel éxito, Dany Boon, vuelve a ejercer de actor y director con una fórmula similar, pero en clave coral. El resultado no llega a ser tan tronchante como lo fue su antecesora, aunque tampoco sea completamente desdeñable. Así, junto a golpes de humor inspirados encontramos pasajes insípidos, en un film que convence en su primera hora y va decayendo en el tramo final.

El prestigioso arquitecto y diseñador Valentín D., afincado en París, finge ser huérfano ante los medios de comunicación porque se avergüenza de su familia, unos chatarreros que viven en la región más septentrional del país, cuyos rudos modales no encajan con los selectos ambientes que frecuenta. Sin embargo, verá peligrar la reputación que se ha ganado cuando sus parientes se presenten de improviso en una exposición retrospectiva de sus trabajos.

El guion explota nuevamente el tema del choque de culturas, en sentido amplio, entre urbanitas y pueblerinos, poniendo el énfasis en las distintas maneras de expresarse de unos y otros, llevándolos a situaciones ya abordadas de forma parecida en títulos como ‘La ciudad no es para mí’ (1966) o ‘Rústicos en Dinerolandia’ (1993). En este caso su mejor baza reside en la personalidad dispar que confiere a cada personaje, consiguiendo, dentro del concurrido elenco, dotarlos del gracejo preciso y singular para que el conjunto funcione.

Por otra parte, dado que el desarrollo argumental se sustenta en un conflicto que va enfrentando a diferentes protagonistas, conforme se acerca a la resolución pierde chispa para dar cabida a la vertiente emotiva, apartado que alarga en su escenificación.

De entre quienes acompañan al realizador, que también se luce delante de la cámara desplegando su habitual vis cómica, destacan especialmente Valérie Bonneton (‘No molestar’) y de los veteranos Line Renaud, François Berléand y Pierre Richard (‘En lugar del Sr. Stein’).

Estamos, pues, ante un divertimento irregular, que flojea sensiblemente en los últimos instantes.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Crítica | El Buen Maestro

Se disfruta mientras se ve, gracias a la caracterización de su protagonista, quien traspasa la pantalla con humildad y buen corazón; sin embargo no perdurará en la memoria porque sus argumentos ya los hemos visto muchas veces en el cine. Estamos ante la típica historia del maestro que se enfrenta a alumnos de barrios marginados, cercanos a entornos delictivos en algunos casos, sin que, en líneas generales, encontremos aportaciones especialmente significativas respecto a la multitud de antecedentes que cabe recordar. No obstante, la sencillez y afabilidad que recorren la cinta compensan sobradamente su visionado.

François es, como su padre, profesor de literatura del prestigioso liceo Henri IV de París. Circunstancias imprevistas le llevan a aceptar la tutoría de una clase en un centro del extrarradio, con adolescentes problemáticos, nada dispuestos a prestarle atención.

El guión marca perfectamente los tiempos y dedica las secuencias precisas para describir a este personaje en su entorno habitual y así poder enfatizar el contraste cuando pasa a otro ambiente diametralmente opuesto al que domina. No obstante, en ese nuevo escenario se muestra muy ingenioso a la hora de escenificar los acertados métodos que se saca de la chistera para recabar el interés de los chicos. Es loable como introduce las referencias a ‘Los miserables’ de Víctor Hugo y adapta hábilmente los contenidos de la novela para conseguir que los estudiantes se enganchen a ella, gracias a su eficaz dialéctica.

Otro mérito pasa por contraponer a este docente con sus jóvenes colegas, encasillados en recursos convencionales y descreídos sobre la posibilidad de poner en el camino adecuado a los chavales más díscolos; para acabar dándoles una modesta pero elocuente lección sobre la manera de educar.

Todo ello sin renunciar al sentido del humor, al salpicar el relato de sutiles notas de comicidad debidamente mesuradas para no alejarse del discurso central. Aunque en algún instante, mediado el metraje, parece atascarse ligeramente, se resarce conforme se acerca al tramo final, imbuido de emotividad contenida.

Denis Podalydès (‘De Nicolas a Sarkozy’) logra transmitir la imagen entrañable que requiere su papel y es decisivo para que los actores no profesionales y debutantes que le acompañan se muevan con absoluta naturalidad delante de las cámaras, al punto de que, por momentos, el film se asemeja a un documental.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Crítica | 15:17 Tren a París

No es una película detestable, pero Clint Eastwood nos ha malacostumbrado a deleitarnos con unas obras sobresalientes y en esta ocasión, al quedarse en el aprobado discreto, decepciona.

En la línea de sus últimos éxitos, vuelve a llevar a la gran pantalla una historia real, con detalles patrioteros, que gira alrededor de un suceso reciente, recreado de forma estremecedora y angustiosa. Sin embargo, flojea al construir desde ese incidente un film convincente sobre quienes se vieron implicados en él, lo que no quita para reconocer lo arriesgado del proyecto.

Ya la introducción adelanta cual es su referencia: el ataque terrorista frustrado que tuvo lugar el 21 de agosto de 2015 en un tren que hacía el trayecto Amsterdam-París, donde tres estadounidenses se jugaron la vida al enfrentarse a un hombre fuertemente armado, dispuesto a cometer una escabechina.

Con ese hecho como destino, se retrotrae, en primer lugar, a la infancia de los protagonistas, ilustrándonos sobre la manera en que se forjó la amistad entre ellos en un estricto colegio católico, en el que tenían fama de rebeldes y mostrando su afición a los juegos de guerra. Este tramo funciona aunque no contenga demasiados alicientes; incluso cuando da un salto temporal y nos acerca a las inquietudes de estos jóvenes a la hora de hacer realidad sus vocaciones, genera cierto interés, pero a partir de ahí decae completamente.

La reunión de estos amigos, algunos años después, para viajar por diferentes capitales de Europa, da pie a una narración sosa, rutinaria y desangelada. No tiene ritmo y eterniza la llegada al esperado clímax. Afortunadamente, cuando llega la parte final nos reencontramos con la buena versión del reputado cineasta. La puesta en escena de lo que ocurrió en el vagón de pasajeros durante varios minutos, que debieron ser eternos para los que estaban allí, pone los pelos de punta al tiempo que emociona, sacando su lado más humano. No se puede decir lo mismo del alargado epílogo apoyado en imágenes de archivo.

El trío de tan heroica acción lo componían los militares Spencer Stone y Alek Skarlatos, y su colega Anthony Sadler, que se interpretan a sí mismos. Pese a evidenciar que no son actores, mejor que peor, salen airosos del reto y poco se les puede achacar al irregular resultado que depara este estreno. Además, las participaciones de Judy Greer y Jenna Fischer le confieren algo de consistencia al tramo inicial de la cinta.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Crítica | 120 Pulsaciones por Minuto

Premiada por el jurado y por la prensa internacional en el Festival de Cannes, esta producción francesa, candidata a 13 César, es difícil de recomendar. Y ello sin poner en duda sus valores, el interés que puedan despertar los hechos que recrea y los méritos artísticos que aglutina. No obstante, aun aceptando estas consideraciones, razones suficientes para justificar los galardones obtenidos, nos encontramos con una historia que peca de cíclica en determinados apartados y cuya puesta en escena alcanza una dureza visual que cuesta soportar en los compases finales, con unas imágenes demasiado explícitas y no siempre necesarias, que pueden herir la sensibilidad.

Nos lleva a principios de los 90, al seno de la organización Act Up París que un grupo de seropositivos había constituido poco antes con los objetivos de presionar a los políticos y a los laboratorios farmacéuticos para que aceleraran la aplicación de remedios eficaces contra el SIDA y de concienciar a la población sobre los riesgos y consecuencias del virus. En ese marco va centrando la atención en dos activistas que comienzan una relación sentimental.

Los compases iniciales, en los que la narración fluye con soltura, despiertan la atención del espectador. Asistir a las asambleas y acciones reivindicativas de estos jóvenes y a la desazón que sentían, así como, paralelamente, a la presentación de los protagonistas y de sus circunstancias, siembra el terreno para despertar elevadas expectativas; en mayor medida cuando la realización se mueve en terrenos muy verosímiles a través de la aparente espontaneidad de sus intérpretes.

Sin embargo, el guion entra en una especie de bucle y carga el metraje (140 minutos), hasta que intenta oxigenarse con los apasionados encuentros de una pareja de gays que viven su romance desde perspectivas diferentes. Pese a ello, este paulatino cambio de inclinación, del relato coral al personal, sin abandonar completamente ninguno, se realiza de forma brusca y en ocasiones el desarrollo de la película se dispersa en detalles insustanciales y transiciones desangeladas.

Finalmente nos aboca a un desenlace que se ve venir con bastante antelación, además de ilustrarnos sobre los estragos de la enfermedad de manera contundente y dejar para el último tramo ciertas secuencias verdaderamente desagradables.

En el apartado artístico resulta incuestionable la implicación total del argentino Nahuel Pérez Biscayart, una actuación descollante digna de los mayores elogios. Junto a él, son reseñables las participaciones de Arnaud Valois y Adèle Haenel (‘La chica desconocida’).

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Crítica | Loving Vicent

Los méritos artísticos de esta producción y el enorme y esmerado trabajo que lleva detrás compensan sobradamente cualquier reparo que se pueda oponer a tan notabilísima película de animación, toda una gratificante experiencia. Puede que la intriga no esté a la brillante altura de las imágenes que nos ofrece, pero aun así capta la atención desde el principio y prácticamente en clave de thriller nos acerca un detallado perfil íntimo de quien está considerado como uno de los grandes maestros de la historia de la pintura.

La acción comienza en la ciudad francesa de Arles, durante el verano de 1891, donde un joven recibe el encargo de su padre de entregar la última carta que escribió Vincent Van Gogh a su hermano Theo que reside en París. Así comienza un viaje en el que el protagonista irá descubriendo los entresijos de la vida del pintor, al tiempo que intentará averiguar la verdad sobre las extrañas circunstancias que causaron su muerte.

Desde el inicio, cada secuencia se empapa del estilo de sus obras, provocando la continua sensación de estar viendo cuadros animados. De hecho, más de 100 artistas han realizado 65.000 lienzos siguiendo sus patrones pictóricos, lo que unido a las técnicas digitales de captura de movimiento arroja unas coloridas y vistosas secuencias que hechizan a cualquier amante del arte.

Esta propuesta visual, lejos de distanciarnos, proyecta una innegable calidez que arropa las indagaciones del improvisado investigador, puntualmente interrumpidas con unos interesantes flashbacks, ilustrativos del drama y la desazón que soportaba el genio del pincel, nunca reconocido en su tiempo.

Por otra parte, el guion, sin ser redondo, consigue caracterizar suficientemente bien a los distintos personajes que van incorporándose a la trama, mostrando su sensibilidad y la vinculación con la desaparecida figura, querida por quienes le conocieron de cerca.

Desde luego, resulta recomendable acercarse a este estreno tan original como gratificante a poco que se admire a este referente indiscutible del impresionismo.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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