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Mes: octubre 2017

Crítica: Une Vie

La adaptación de la novela de Guy de Maupassant, ‘Une vie’ (título original también del film), se resume en la crónica dolorosa de una vida infeliz, cuya narración cinematográfica parece contagiarse de la propia tristeza de la protagonista, avanzando sin energía, en un tono contemplativo que va creciendo hasta adquirir una languidez excesiva.

Pese a que su propuesta técnica es original tratándose de un relato de época, dado que recurre a una realización de formas muy actuales que le confiere un apreciable tono realista, la melancolía acaba por dominar cada secuencia.

La historia se remonta a la juventud de una dama del siglo XIX que, tras salir del convento donde ha sido instruida, vuelve a la mansión de sus padres. Pronto contrae matrimonio con un hombre de buena posición, cuyas ocultas debilidades la sumirán en una situación desdichada, pero sus desgracias no quedarán ahí.

El guion recurre con diligencia a la elipsis y en ocasiones se basta de pocos detalles para resultar elocuente a la hora de ilustrar lo que quiere contar, sin enfatizar las situaciones y dejando constancia de su dramatismo con sutiles pinceladas visuales. No obstante, este elogiable mérito choca con la incorporación de algunas transiciones que se eternizan, recreándose demasiado en las miradas silenciosas de esta mujer que se va descomponiendo emocionalmente, intentando que sintamos su sufrimiento de cerca, aunque la reiteración en ese punto termina por provocar un cierto distanciamiento y hastío; prácticamente lo mismo se puede decir de sus intermitentes flashbacks.

La dirección recurre a la iluminación natural y evita realzar la pomposidad de los escenarios, aprovechando las localizaciones naturales para obtener imágenes esplendorosas y envolviendo de un halo de verosimilitud este duro retrato intimista, al que, sin embargo, le falta viveza.

Judith Chemla realiza una notable interpretación encarnando a un arquetipo femenino de aquellos tiempos, como esposa y madre sacrificada que soporta con resignación los golpes sentimentales y las imposiciones sociales. A su lado destacan las aportaciones de dos veteranos actores franceses: Jean-Pierre Darrousin y Yolande Moreau.

Ficha técnica en IMDB

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Crítica: Amor a la Siciliana

La dedicatoria a Ettore Scola que podemos leer antes de que comience la acción es una declaración de intenciones de las referencias inspiradoras de esta producción. No obstante, habría que hacer extensivo el homenaje a toda la comedia italiana de corte clásico. Incluso también se atisba un lejano parentesco con ‘¿Qué hiciste en la guerra papi? ‘(1966), dirigida por Blake Edwards.

Ubicada la acción en un pequeño pueblo siciliano durante la Segunda Guerra Mundial, la historia conjuga el costumbrismo, abordado con ironía y la caricatura de arquetipos muy reconocibles: los humildes campesinos, la mafia, los devotos religiosos, los marginados del pueblo, etc. Es decir caracteres, de sobra conocidos gracias al cine, que chocan con los recién llegados, los militares estadounidenses que han desembarcado en la isla.

Uno de los soldados es un italoamericano que se ha alistado en el ejército con el único propósito de visitar al padre de su prometida para pedirle la mano de la joven. Mientras, su amada le aguarda en Nueva York, intentando evitar el compromiso matrimonial de conveniencia al que pretende abocarla su tío y tutor.

Inspirada parcialmente en un hecho real, con una notable dirección artística y una melódica y envolvente banda sonora, la narración discurre ligera e impregnada de un humor de otra época que, aunque ha perdido vigor, conserva parte de gracejo. Además, el guion ha intentado actualizar algunos detalles; muestra clara de ello es la foto que lleva el protagonista consigo para recordar a su chica, una instantánea, tomada a modo de selfie y que sirve como pretexto de comentarios en tono de chanza.

Conviene señalar que el relato trata de suavizar los aspectos dramáticos, inherentes al contexto bélico en el que se desarrolla y busca primar el lado humano para no apartar al espectador de la sonrisa continuada, salvo en momentos puntuales. Incluso la denuncia elocuente sobre como los grandes capos de la zona y sus sicarios acabaron ocupando relevantes puestos públicos, se aborda con un contrapunto de sutil comicidad. Su aspecto más débil es el desenlace, que llega de forma súbita y cortante.

El polifacético Pierfrancesco Diliberto, un cómico popular en su país como presentador televisivo, dirige y protagoniza esta cinta y completa ambas tareas con corrección, secundado por un elenco de intérpretes poco conocidos internacionalmente que, en general, cumplen con sus papeles.

Ficha técnica en IMDB

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Críticas: Geostorm

Sabiendo que esta es una película de catástrofes y que su director, Dean Devlin, ha sido guionista y productor de ‘Stargate’, ‘Independence Day’ y ‘Godzilla’, poco más cabría añadir para intuir con certeza lo que nos podemos encontrar. Efectivamente, estamos ante la típica “americanada” que, en este caso, para justificar el desparrame de efectos visuales, echa mano de una intriga de políticos corruptos y de algunas notas de drama familiar.

Gerard ButlerEn un futuro cercano, numerosas naciones de la Tierra han unido esfuerzos para poner en funcionamiento una red de satélites que protege al planeta de grandes desastres naturales; sin embargo, de forma inesperada, comienzan a producirse fallos con consecuencias devastadoras. Ello obliga al ingeniero que creó ese sistema, apartado del proyecto años atrás, a volver a la estación espacial, donde pronto encontrará indicios de un sabotaje que podría empeorar las cosas.

En honor a la verdad, el film funciona con corrección cuando se dedica a ir dando forma a la trama. En esa vertiente de thriller, sostenida por la particular relación entre dos hermanos, mucho tiempo distanciados, la historia reparte la atención entre las pesquisas que lleva a cabo un analista vinculado a la Casa Blanca y los pasos que da el diseñador del complejo dispositivo para averiguar quien está alterando su funcionamiento intencionadamente. Ambos hilos conductores se desarrollan con agilidad y van generando un interés creciente.

No obstante, progresivamente, como era previsible, los fenómenos meteorológicos se desatan con una intensidad extrema en las principales ciudades del mundo y conforme éstos se van multiplicando, el relato pierde fuerza. Así, entra a una velocidad de vértigo en el terreno de lo confuso y lo inverosímil. Hay muchas cosas que están mal explicadas o simplemente es imposible que tengan una justificación mínimamente asumible.

Los personajes pasan prácticamente a ser unos títeres al servicio de los abrumadores recursos infográficos, para rematar con tal pirueta final que provoca vergüenza ajena. Es una lástima que la advertencia inicial, que no debería caer en saco roto, no vuelva a aparecer con la misma significación.

Gerard Butler y Jim Sturgess conducen la cinta sin esfuerzo, mientras que Ed Harris y un estirado Andy García parecen reinterpretar papeles en los que les hemos visto otras veces. Por otro lado, Abbie Cornish cumple cuando toma las riendas en una acelerada secuencia de acción.

Ficha ténica en IMDB

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Críticas: Handia

Los artífices de ‘Loreak (Flores)’ (2014) firman esta sobresaliente producción; de lo mejor del cine español de este año. Técnicamente es impecable en todos sus extremos, maximizando los recursos que maneja para ofrecer una loable puesta en escena. Por otro lado, la historia, inspirada en un caso real, despierta el interés y las emociones a partes iguales; aunque le hubiera venido bien algún golpe de humor para oxigenar un relato demasiado sobrio.

Eneko SagardoyBasándose en la figura del llamado ‘gigante de Alzo’, la acción nos lleva a una humilde aldea guipuzcoana en plena guerra carlista. Tras luchar en la contienda, Martín Eleizegi vuelve a su casa y se encuentra con que su hermano Joaquín ha crecido de manera desmesurada. Pronto los dos se embarcan en un viaje por Europa, convirtiendo al joven en una atracción que genera expectación entre las gentes de la época.

Basándose en la figura del llamado ‘gigante de Alzo’, la acción nos lleva a una humilde aldea guipuzcoana en plena guerra carlista. Tras luchar en la contienda, Martín Eleizegi vuelve a su casa y se encuentra con que su hermano Joaquín ha crecido de manera desmesurada. Pronto los dos se embarcan en un viaje por Europa, convirtiendo al joven en una atracción que genera expectación entre las gentes de la época.

La relación fraternal se aborda partiendo de una caracterización en profundidad de los dos protagonistas, unidos por los lazos de sangre pero distintos en el modo de ser y de ver las cosas. De hecho, siempre pone un contrapunto intimista y dramático en la mirada de este coloso que, por momentos, recuerda la sensación de aislamiento y marginación que sufría “el hombre elefante”.

Es una lástima que no aproveche sus argumentos para haber colocado un punto de comicidad y ello provoca que peque de cierta gelidez, especialmente en el tramo final, compensada afortunadamente por su perfecta resolución.

El vestuario, la dirección artística, los efectos visuales, los movimientos de cámara, como se aprecia, por ejemplo, en una secuencia bélica, y la melódica y lírica banda sonora compuesta por Pascal Gaigne constituyen una parte esencial para elevar merecidamente la consideración de este estreno.

Todo el elenco raya a una altura extraordinaria, con mención destacada para unos enormes Joseba Usabiaga y Eneko Sagardoy, a quienes se suma el veterano Ramón Agirre, bordando el rol de padre de este hombretón sin igual.

Ficha técnica en IMDB

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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S02E01: La Carolco – Amor por el Cine

Iniciamos nuestra segunda temporada con una guía homenaje de lo que fue la mastodóntica productora Carolco formada por Mario Kassar y Andrew G. Vajna, una forma de producir y rodar cine que nunca volverá. Con resultados variopintos pero con muestras de talento y entretenimiento sin igual como La saga Rambo, Terminator 2, Instinto Básico o Stargate y su canto de cisne La Isla de las Cabezas Cortadas.

Sus peculiares fundadores, su marketing abrumador, su poderio para pagar estrellas y comprar guiones y su no reparar en gastos. Repasaremos su filmografia y nos retrotaemos a una epoca de amor por el cine “bigger than life”.

Cuidadosos de sus compositores musicales nos acompañaran en el recorrido Jerry Goldsmith, David Arnold, o John Debney. Nos atrevemos incluso a recitar a Rambo o escuchar musica psicotrónica de Showgirls.

¡Bienvenidos a Carolco Pictures, Amor por el cine!

Nota: perdón por algunos fallos en la edición y sonido, hemos tenido que cambiar el software de edición y todavía no estamos muy finos. Prometemos mejorarlo en los siguientes programas.


Referencias y agradecimientos:

David Esteban que tiene dos interesantes cuentas en twitter: @MadAmerican@YentelmanBlog y un fantástico blog: Yentelman.

Miguel Casares es editor y productor de un gran podcast sobre música de cine Cinemasmusic con extensos programas especiales donde además tiene una sección sobre coleccionismo filmográfico y además presenta y realiza su spinoff La Cara B. Os recomendamos de todo corazón escucharlos.

 

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Críticas: La suerte de los Logan / Logan Lucky

De la mano de Steven Soderbergh (‘Traffic’, ‘Ocean’s Eleven’) llega este original thriller que, aunque no pasará a ser uno de los mejores títulos de su granada filmografía, cumple sobradamente. El director evidencia lo bien que se maneja en las historias corales, tanto en lo que se refiere a la interrelación entre los diferentes personajes como a su adecuada caracterización. El resultado es una recomendable intriga que avanza en sentido ascendente.

Nos presenta a un minero divorciado que se ha quedado sin empleo. Desesperado decide elaborar un complicado plan con el objetivo de atracar la caja fuerte del circuito donde se va a celebrar la siguiente carrera de NASCAR, en Carolina del Norte. Para llevarlo a cabo contará con la ayuda de su hermano y de un experto en demoliciones que está en prisión. El mayor problema, sin embargo, es eludir la mala suerte que siempre se ha ceñido sobre la familia y que parece condenarles al fracaso eterno.

El film introduce a los protagonistas con cierta sequedad, pero poco a poco van adquiriendo entidad suficiente para desarrollar la película con los resortes precisos, transitando desde el humor al suspense y detonando distintos golpes de efecto en los instantes más inesperados.

Es de justicia subrayar los méritos del guion, que cuida los detalles y consigue componer un relato que aborda con aparente soltura tan singular robo, al que suma notas de thriller carcelario y un fondo emocional que va ganando peso. Incluso, en los compases finales, se permite incorporar una subtrama policíaca, pese a ser el único punto endeble de esta propuesta, sirviéndose de ella básicamente para poner al cierre un guiño certero.

El reparto al completo se luce en unos terrenos poco habituales para la mayoría. Channing Tatum demuestra ser un actor llamado ya a asumir retos de mayor enjundia. Por su parte, Adam Driver, alejado de atuendos galácticos, es una apuesta segura para llenar de pequeños matices cualquier registro; mientras que Daniel Craig se pone en la piel de un delincuente seco y excéntrico, en las antípodas de James Bond. A ellos se unen nombres importantes que completan un elenco solvente: Katie Holmes, Riley Keough, Hilary Swank, Katherine Waterston y Seth MacFarlane, entre otros muchos.

Ficha técnica en IMDB

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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