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Mes: abril 2018

Crítica | Bailando la Vida

Toda una agradable sorpresa constituye esta producción británica en clave de comedia otoñal absolutamente recomendable y que contiene una completa lección de vitalismo muy a tener en cuenta. Sus actores, en estado de gracia y la positiva filosofía de la que está imbuido el guion a buen seguro que elevarán el ánimo de los espectadores.

Cuando Sandra descubre que su marido lleva años teniendo una aventura, abandona la mansión donde vive y busca refugio en la humilde casa de su hermana, de quien se distanció tiempo atrás. Esa convivencia le hará reencontrarse con su verdadero yo y hallar nuevas ilusiones.

A pesar de los apartados dramáticos que van acompañando la historia, mantiene a lo largo del metraje un agradecido tono afable que parte de la caracterización de los personajes. El hecho de que el baile de salón constituya el elemento a través del cual se canaliza la regeneración emocional de la protagonista, le da un toque musical y desenfadado al que recurre eficazmente el film en los momentos oportunos, especialmente en el tramo final, al desplazar la acción a otra ciudad.

Si bien es cierto que conforme se desarrolla se torna previsible, incluso en lo referente a los contrapuntos sensibles y a su complaciente desenlace, nunca se pierde el interés por saber lo que les ocurre a estos ancianos con espíritu joven que se ganan rápidamente el cariño del público, dando a entender que siempre es posible disfrutar de segundas oportunidades en la vida.

El cartel de veteranos lo encabeza Imelda Staunton (‘El secreto de Vera Drake’), cuya extraordinaria actuación permite asumir la transformación que sufre la humillada esposa. A su lado vuelve a resplandecer Timothy Spall, haciendo gala de una envidiable madurez interpretativa que le hacen digno de los mejores elogios: ‘El viaje’, ‘Negación’ y la reciente ‘The Party’ son buenas pruebas de ello, a lo que se suma este título en el que alcanza la excelencia. Finalmente, Celia Imrie, asume el rol más dicharachero y con ligeros toques de vis cómica con la que se vertebra perfectamente el relato.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Crítica | Custodia Compartida

Realista y espeluznante resulta la historia que pone en escena esta magnífica producción francesa, al tocar uno de los muchos sucesos que aparecen cotidianamente en los medios de comunicación vinculados a la violencia de género. El film, que va in crescendo hasta explotar en un final magistral y tremendo, centra su atención en un divorcio traumático, bajo el que se esconde un drama impensable.

Tras romper su matrimonio, Antoine y Miriam se reúnen ante la juez para determinar el régimen de custodia de su hijo menor, de once años. Pronto el niño se convertirá en la victima y arma arrojadiza de sus padres, de cuya relación iremos conociendo los trapos sucios.

La película se toma su tiempo para meter al público en el relato y desde el inicio lo incomoda escenificando el desasosiego que causa la situación en todos los implicados. El resquemor, las mentiras, la manipulación, las acusaciones y la sensación de vacío y ruptura emocional invaden a los personajes, en una representación muy auténtica que va sumando sutilmente otras circunstancias y reacciones.

Es sobresaliente como maneja la tensión contenida, acercándonos fundamentalmente a la frustración del exmarido que se siente desubicado, mostrando sus recovecos psicológicos y tratando desde el resentimiento a quien era su familia hasta hace poco. Además, el guion se guarda un as en la manga del que solo intuimos una mínima parte y que sale a la luz en una resolución tan inesperada y contundente que no puede dejar a nadie indiferente. De esa manera, nos proyecta una realidad que en ocasiones está más cerca de lo que muchas veces parece.

Denis Ménochet realiza un espléndido trabajo que va creciendo, en un rol protagonista difícil, estando siempre a la altura de sus exigencias. Frente a él, cumple igualmente Léa Drucker, con una interpretación coronada con brillantez en los últimos minutos. Ahora bien, sería injusto no señalar la participación del pequeño gran actor Thomas Gioria, que sorprende por su naturalidad, transmitiendo de forma completamente convincente la congoja del papel que asume.

Desde luego no es un divertimento, pero ofrece lecturas que no tienen desperdicio.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Crítica | Las Leyes de la Termodinámica

No se puede negar la originalidad del planteamiento, ni la notable factura técnica que evidencia la puesta en escena de esta agridulce comedia romántica. Ahora, también es patente que lo elevado de sus pretensiones causan el efecto contrario al deseado y la hacen difícil de digerir en muchos momentos, bien porque entra en bucle o se pierde en reiteradas disquisiciones científicas.

Prácticamente como si se tratara de un documental, introduce los testimonios de diferentes investigadores acerca de las leyes de la termodinámica y de los factores que las condicionan, para acto seguido realizar una transposición de su aplicación al terreno de las relaciones sentimentales, en lo que es un comienzo prometedor.

A modo de ejemplo escoge a Manel, profesor de física en prácticas, que accidentalmente conoce a una cotizada modelo y actriz de quien se enamora de ipso facto, a pesar de tener pareja. Este encuentro dará pie a diversas reacciones en cadena que irán condicionando su futuro inmediato de manera imprevisible aunque él trate de darle un significado lógico a todo lo que ocurre atendiendo a los postulados de la ciencia.

El guion, acertadamente, va alternando distintos planos temporales en los que contrasta el comportamiento de los protagonistas ante las mismas circunstancias según la posición que ocupan. Sin embargo, termina abusando de este y otros recursos que toman un cariz retórico. Ello provoca que el desarrollo del hilo conductor de la película se atasque y pierda la chispa del inicio. Además, curiosamente, acaban aportando más toques de humor los personajes secundarios que los principales

Frente al excelso manejo de la cámara que domina a la perfección su director, Mateo Gil y a la inspirada banda sonora compuesta por Fernando Velázquez, nos encontramos un plantel de actores que rinde de forma desigual. Vito Sanz nunca le da el punto de equilibrio y entidad que merecía su papel. Berta Vázquez sale mejor parada gracias a la naturalidad y frescura con que se desenvuelve. Por su parte, Chino Darín repite en un perfil de seductor que ya se está convirtiendo en demasiado habitual y Vicky Luengo resulta un grato descubrimiento; mientras que Irene Escolar y Josep Maria Pou cumplen sobradamente en sus pequeñas intervenciones.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Crítica | Isla de Perros

Lo primero que hay que advertir es que no estamos ante una película infantil, aunque sea de animación y el título y su cartel inviten a pensar lo contrario, e incluso pese a no encontrar en ella contenidos inapropiados, ni salidas de tono.

Igual de importante resulta saber que su director es Wes Anderson y conocer su peculiar manera de hacer cine. En este caso, el realizador de ‘El gran hotel Budapest’ y ‘Viaje a Darjeeling’, entre otras, vuelve a apostar por un género que ya trató con hechuras similares en ‘Fantástico Sr. Fox’ (2009). Por lo tanto, si se disfrutaron estos títulos en su día, esta será, sin duda, una acertada elección. Si no es así, al espectador le costará entrar plenamente en la propuesta del cineasta tejano, nuevamente recorrida por la ironía y la mordacidad, introducidas tan sutil y sobriamente que el conjunto peca de cierta sequedad.

La acción se sitúa en Japón, donde el alcalde de Megasaki ha decidido desterrar a los perros a una isla que sirve de vertedero, al estimar que son los causantes del brote de gripe canina que está propagándose por toda la ciudad. El joven sobrino del regidor se presentará allí con el objetivo de recuperar a su mascota, lo que se convertirá en el inicio de una rebelión.

Es innegable el extraordinario trabajo desarrollado por los diferentes departamentos técnicos del film para conseguir, con la laboriosa técnica de captura del movimiento (stop motion), sus llamativas imágenes, a las cuales se debe estar muy atento si se quiere reparar en la cantidad de detalles que contienen. Este pasa por ser el apartado más virtuoso de la producción, en la que han participado alrededor de 700 especialistas durante cuatro años.

No obstante, lo anterior no impide señalar que, si bien la narración transcurre sin atascarse, carece de la energía suficiente para implicar al público en su mensaje y moraleja, que quedan algo deslucidos, desaprovechando parte del potencial de los personajes caninos.

En cuanto a la banda sonora, obra de Alexandre Desplat (‘La forma del agua’), procede destacar lo meritorio de su labor, al componer una partitura completamente dominada por la percusión nipona en la instrumentación, que tiene espacio para el lucimiento al principio y al final de la cinta. Sin embargo, en ocasiones se abusa de su utilización hasta tornarse innecesariamente machacona.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Crítica | Un Lugar Tranquilo

Sin prescindir de los recursos básicos del cine de terror, la original propuesta que lleva a la pantalla esta notable producción le da una vuelta de tuerca a las referencias clásicas del género y consigue plenamente su propósito: acongojar al espectador de principio a fin. Con los medios precisos, evitando caer en los terrenos del gore y reduciendo al mínimo las imágenes horripilantes, proporciona sensaciones espeluznantes.

Nos presenta a una familia que ha sobrevivido al devastador ataque de los terribles extraterrestres que han invadido la tierra. Estos seres lanzan sus ataques letales cuando escuchan algún sonido, por eso este matrimonio y sus hijos han aprendido a vivir en completo silencio, pero cualquier descuido les puede poner en peligro.

La premisa, aceptando su singularidad, no deja de ser bastante sencilla y a lo largo de su desarrollo encontramos detalles previsibles junto a giros sorprendentes e impactantes, plasmados siempre con sobriedad, lo que le da un valor añadido a la cinta. Solo en el tramo final se eleva el tono en la medida en que lo exige el desenlace de la intriga, si bien llega a ese punto de forma paulatina, manteniendo la coherencia narrativa que recorre el film.

Con esa apariencia de humildad en la puesta en escena, alcanza a conseguir un resultado cercano al que en su día pudieron provocar títulos como ‘Alien, el octavo pasajero’ (1979) o ‘Depredador’ (1987) y ‘Señales’ (2002), cuyas influencias se perciben en diferentes momentos de la trama.

Técnicamente, además de lo ya señalado, genera las atmósferas adecuadas para que desde el primer instante acompañemos a los protagonistas en su angustiosa y callada supervivencia, de manera que en los instantes realmente estremecedores el público comparta con ellos los escalofríos y la desesperación. Impecable igualmente resulta el montaje para mantener la tensión constante y la elocuencia visual que suple a los diálogos.

John Krasinski realiza un meritorio trabajo delante de la cámara y aun mejor como director de la película. A su lado ejerce de sufrida esposa quien lo es también en la vida real: Emily Blunt, compenetrándose ambos la perfección, igual que lo hacen los jóvenes Noah Jupe (‘Suburbicon’) y la brillante Millicent Simmonds (‘Wondesrstruck. El museo de las maravillas’), que es sordomuda y rinde a la misma altura que sus padres en esta ficción.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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Crítica | Alma Mater

Sin apenas necesidad de recurrir a la violencia explícita, este drama, que se desarrolla enteramente en una vivienda de Siria, resulta sobrecogedor por su realismo. A pesar de tener esa única localización, elude los condicionantes que podrían teatralizar la puesta en escena y logra presentar una historia áspera, de tensión elevada, que va in crescendo a la par que transmite las angustiosas experiencias de los protagonistas, víctimas inocentes del conflicto bélico, cuyo hogar se halla en medio del campo de batalla.

No desperdicia ni un instante de sus 87 minutos de metraje y rápidamente describe sus premisas, llevándonos a la casa donde viven a escondidas una mujer con sus tres hijos, el abuelo y la criada, a quienes se ha unido un joven matrimonio con su bebé, tras haberse quedado sin techo y otro chico amigo de la familia. Desde el interior se pueden percibir las atrocidades de la guerra: bombardeos, disparos de francotiradores, delincuentes que merodean por la zona, escasez de agua, etc.

Lo primero que llama la atención, a medida que recorremos las distintas estancias y atendemos a los enseres, es apreciar la similitud con cualquier piso de la clase media occidental, lo que provoca que nos sintamos más cerca de estos personajes y del horror que soportan.

En ese contexto, casi sin solución de continuidad, pero de manera coherente y asumible, se suceden los sobresaltos e imprevistos que endurecen el relato, impactando en el ánimo del espectador inevitablemente. Precisamente ahí radica la mayor virtud del film: consigue sensibilizarnos escenificando circunstancias terribles, sin que en ello se atisbe una intención deliberada de exagerar las situaciones. Además, nunca pierde de vista los aspectos humanos que surgen en la convivencia de esas personas, atrapadas en el pequeño infierno en que se ha convertido su hábitat cotidiano.

La actriz palestina Hiam Abbass (‘Los limoneros’, ‘The Visitor’) pone lo mejor de su temperamento y borda la madre coraje que interpreta, preocupada de cada detalle para mantener a salvo a los suyos. Sobresaliente es igualmente la participación de Diamand Bou Abboud, a quien hace varias semanas vimos ejercer de abogada en ‘El insulto’ y que vuelve a estar impecable en un registro bien diferente.

El film obtuvo el Premio del Público en la Berlinale y similar galardón en el Festival de Sevilla; reconocimientos indudablemente merecidos.

Ficha Técnica en IMDB.

Artículo publicado originalmente en: Críticas de Cine de Eduardo Casanova

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